jueves, 6 de octubre de 2022

Fabricamos un pluviómetro


Para comprender mejor qué es y cómo funciona un pluviómetro lo mejor es fabricar uno. 




En este vídeo podemos escuchar una interesante explicación sobre distintos aspectos de este aparato.

 HAZ CLIK EN ESTE VÍDEO

Este otro vídeo muestra la fabricación de una forma más sencilla



jueves, 9 de junio de 2022

La rendición de Breda




La rendición de Breda o Las lanzas es un óleo sobre lienzo, pintado entre 1634 y 1635 por Diego Velázquez y que se conserva en el Museo del Prado de Madrid.

Artista: Diego Velázquez
Ubicación: Museo Nacional del Prado
Período: Barroco
Año: 1634
Técnica: Óleo sobre lienzo


Contexto histórico

Para entender bien esta obra de Velázquez, hay que remontarse a lo que estaba sucediendo desde finales del siglo XVI y principios del XVII en los Países Bajos  que luchaban por independizarse de España.

En 1590 la ciudad de Breda fue tomada por los neerlandeses. Cuando el rey de España Felipe IV subió al trono en 1621 la guerra se reanudó. La intención de Felipe IV era recuperar esa plaza tan importante desde la cual se podría maniobrar para otras conquistas.

Felipe IV nombró jefe supremo de la expedición a Breda al mejor estratega a su servicio conocido en aquella época, el aristócrata genovés Ambrosio de Spinola, quien se puso al mando de 40.000 hombres.

La ciudad de Breda estaba defendida por Justino de Nassau, de la casa de Orange. El cerco y sitio a la ciudad fue una lección de estrategia militar. Algunos generales de otras naciones acudieron allí en calidad de lo que hoy se entiende como «agregado militar», para conocer y observar la táctica del gran Spinola. Lo principal era impedir que llegaran refuerzos de víveres y municiones. Para ello se realizaron una serie de acciones secundarias como la de anegar los terrenos inmediatos e impedir así el paso a la posible ayuda.

Las crónicas de la época cuentan que la defensa de Breda llegó a ser heroica, pero la guarnición tuvo que rendirse y levantar la bandera. Justino de Nassau capituló el 5 de junio de 1625. Fue una capitulación que el ejército español reconoció como tal, admirando en su enemigo la valentía de los asediados. Por estas razones permitió que la guarnición saliera formada en orden militar con sus banderas al frente. Los generales españoles dieron la orden de que los vencidos fueran rigurosamente respetados y tratados con dignidad. Las crónicas describen también el momento en que el general español Spinola esperaba fuera de las fortificaciones al general neerlandés Nassau. La entrevista fue un acto de cortesía, y el enemigo fue tratado con caballerosidad y sin humillación; es el momento histórico elegido por Velázquez para su cuadro.

El cuadro se pintó para la decoración del denominado Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro mandado construir por Felipe IV de España. 

El Salón de Reinos era la estancia más relevante del conjunto, pues era donde Felipe IV recibía a los embajadores y demás autoridades extranjeras. A fin de impresionarles con una imagen de poder bélico y económico, el conde-duque de Olivares decidió decorar este gran salón con imágenes de los principales éxitos militares de España, si bien casi todos estos hechos eran relativamente antiguos. Esta estratagema fue ideada por Olivares para ocultar que España, realmente, empezaba a menguar como potencia mundial.

Velázquez desarrolla el tema sin vanagloria ni sangre. Los dos protagonistas están en el centro de la escena y más parecen dialogar como amigos que como enemigos. Justino de Nassau aparece con las llaves de Breda en la mano y hace ademán de arrodillarse, lo cual es impedido por su contrincante, que pone una mano sobre su hombro y le impide humillarse. En este sentido, es una ruptura con la tradicional representación del héroe militar, que solía representarse erguido sobre el derrotado, humillándolo. Igualmente se aleja del hieratismo que dominaban los cuadros de batallas.

Velázquez representa con realismo al general Spínola, al que conocía personalmente. Un detalle muy interesante es la cantidad de lanzas de un lado y de otro. Un realismo semejante y la caracterización individual se aprecia en los rostros de los soldados, que están tratados como retratos.

Detalles como la gran cantidad de lanzas españolas en comparación con las de los Países Bajos y la acogida de los vencidos por parte de España fueron introducidos a petición de Olivares para demostrar la fuerza y nobleza propias (Olivares era conocido por su inteligencia, arrogancia y ego).

Enlace con National Geographic




lunes, 23 de mayo de 2022

El hercules de Farnesio


Fecha: copia griega del S. III d.C. de un bronce griego del S. IV a.C.
Material: marmol / bronce
Autor del marmol: Glicón de Atenas
Autor del bronce: Lisipo (es considerado junto a Escopas y a Praxíteles uno de los escultores sobresalientes de la época clásica de la escultura griega)
Ubicación: Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

La figura de Heracles, el héroe griego, personificaba el triunfo del valor y el coraje del hombre, sobre la serie de pruebas que le habían impuesto los dioses. A él, hijo de Zeus y Alcmena, una reina griega, le habían concedido el don de la inmortalidad. 
La estatua representa al héroe fatigado al término de sus trabajos, que descansa apoyándose en su bastón. Sobre el bastón está la piel del León de Nemea, al que Hércules da muerte en uno de sus trabajos. Con la mano derecha, detrás de la espalda, el héroe aguanta las manzanas de oro del jardín de las Hespérides, que le aseguran la vida eterna. La masiva musculatura da la impresión de una potencia exhausta.
El Hércules Farnesio, de 317 cm de altura, fue muy célebre entre los romanos y se han encontrado copias de palacios y gimnasios romanos. Apreciamos como está apoyado sobre un bastón, recayendo la mayor parte del peso sobre este. Sobre el bastón observamos como Glicón ha colocado la piel del León de Nemea, al cual Hércules venció en su primer trabajo. Tanto el busto como el cuerpo de la estatua están totalmente idealizados y siguen el canon de belleza heleno. 

Los rizados cabellos se han conseguido gracias a la técnica del trepano, muy utilizada por aquel entonces para crear caracoles en la cabellera o barba. si nos situamos tras la estatua, vemos que en la mano que esconde porta tres pequeñas piezas circulares, que hacen referencia a las tres manzanas doradas que consigue en el Jardín de las Hespérides. 



miércoles, 4 de mayo de 2022

El Juicio Final, por Miguel Ángel


La Capilla Sixtina es una capilla del Vaticano, la residencia oficial del papa. Se trata de la estancia más conocida. Su nombre viene del papa Sixto IV, quien ordenó su restauración en el siglo XV. Actualmente es el lugar donde se reúnen los cardenales para elegir a un nuevo papa. 

A principios del siglo XVI por encargo del papa Miguel Ángel decoró la bóveda. 3​4​ años después pintó también El Juicio Final en la pared del altar.

EL JUICIO FINAL

El Juicio Final

El Juicio Final o El Juicio Universal son las pinturas al fresco realizadas por Miguel Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina. El tema es religioso, el fin de la humanidad, extraído del Apocalipsis de San Juan (último libro del Antiguo Testamento).

En el centro de la obra se encuentra Jesús que separa a los justos de los pecadores. Tiene marcadas las manos y los pies por la crucifixión, y una herida en el pecho por haber sido atravesado por una lanza de un soldado romano. Es uno de los pocos Cristos que se han pintado con una expresión de enojo e ira. 

Junto a Cristo está María. Casi escondida, asustada por el movimiento violento que hace Cristo. Detrás de ellos hay un destello de luz.




Alrededor a ellos están varios santos, por ejemplo San Pedro tiene en sus manos las llaves del Reino de los cielos, o San Bartolomé que tiene una piel en su mano ya que este mártir fue despellejado.




Debajo de este grupo central de Cristo, María y los Santos, se encuentra un grupo de ángeles con sus trompetas. Según el Apocalipsis, se supone que eran 7 trompetas, aunque aquí parece haber 8. Otros 2 ángeles sostienen el Libro de la Vida y el Libro de la Muerte, donde están los nombres de los salvados y los condenados respectivamente.

ángeles



Las personas que ascienden son las que estaban en la Tierra en el momento en que Cristo llama a todas las personas. Muchos están resucitando y son representados como cadáveres. Algunos ángeles ayudan a subirlos al Cielo, y más adelante, las mismas personas ayudan a otras a que asciendan. En la Tierra hay algunos demonios escondidos en cuevas. Algunos demonios intentan evitar que las personas asciendan al Cielo.




Del lado derecho están los condenados que están siendo arrojados por ángeles y algunas personas a las Tinieblas. Muchos caen y parecen realmente estar muy desesperados.





Varios son obligados a subir a la barca de Caronte con bastante violencia. Caronte es uno de los monstruos más horribles en el cuadro. De la barca, los condenados son tirados por algunos demonios a las Tinieblas. Según se cuenta ahí aparece las facciones de uno de los sacerdotes que criticó al fresco cuando Miguel Ángel lo mostró. Los ríos de fuego y azufre les esperan.

barca de Caronte



Historia

En 1535 el papa encargó a Miguel Ángel, el más grande fresco jamás pintado que trataría sobre el Juicio Final y que se ubicaría en la pared del altar de la Capilla Sixtina. El tema estaba relacionado con lo que había sucedido en la Iglesia en los años precedentes: la Reforma Protestante. Por eso se intentaba representar a la humanidad haciendo frente a su salvación.

Una vez terminada, en 1541, la pintura provocó el escándalo y las críticas más violentas, pues se consideraba vergonzoso que en tan sagrado lugar se hubiesen representado tantas figuras desnudas. 

Se acusó a Miguel Ángel de herejía y se intentó destruir el fresco. Aunque el papa Julio III era tolerante y no se preocupó de los desnudos, a su muerte se decidiría la «corrección» del fresco colocando paños de pureza a todos sus personajes.


Tráiler de la película Miguel Ángel (El pecado), 2022.



Sinopsis:
En la Florencia del siglo XVI, Michelangelo Buonarroti es uno de los artistas más respetados, aunque este viva con lo mínimo tras centrar todos sus esfuerzos en terminar la Capilla Sixtina. Pero cuando fallece el Papa Julio II, su mayor mecenas, Miguel Ángel tiene que realizar una gran escultura para su tumba.

Guion: Elena Kiseleva, Andrei Konchalovsky

Duración: 134 min.

Veredicto: Un pedazo de mármol mucho más expresivo que algunos actores.




martes, 26 de abril de 2022

El David de Miguel Ángel





Autor: Miguel Ángel de Buonarroti
Época: S XVI
Estilo: Renacimiento . Cinquecento.
Museo: Galería de la Academia, Florencia.


El David es una escultura de mármol blanco de 5,17 metros​ de altura y de unos 5500 kilogramos de masa,​ realizada por Miguel Ángel Buonarroti a principios del siglo XVI (Cinquecento) para Florencia.

Historia del bloque de mármol: Miguel con 26 años sobre un mármol que estaba abandonado en un patio  lleno de maleza y en mal estado porque anteriormente un artista le había dejado un agujero en el centro y de esa manera estaba bastante estropeado, se puso a mirarlo durante muchos días para finalmente ponerse a esculpirlo. Ese bloque de mármol era conocido como "el gigante".



Cuatro años se pasó Miguel Ángel esculpiendo la obra. A las pocas semanas de comenzar, el escultor pidió que levantaran cuatro muros alrededor del bloque, para poder protegerlo de los curiosos. Y claro, la expectación era máxima.

A Miguel Ángel no le gustaba nada que le observaran mientras trabajaba, quizás porque los curiosos y los críticos le ponían nervioso, o quizás porque quería mantener en secreto su método de tallar. Cuando quitaron los muros la gente quedó impresionada,  aunque también hubo críticos, porque el David aparecía totalmente desnudo (Donatelo ya había hecho un David desnudo)

Un autor comentó de esta obra "cualquiera que haya visto al David no tiene ncesidad de ver otra cosa de ningún escultor".

cuenta la leyenda que el artista al acabar la escultura le dijo: ¿por qué no me hablas?. La escultura es de tal realismo que parece que lo único que le queda es poder hablar (se le notan las venas, las uñas, los músculos).



Tráiler de la película Miguel Ángel (El pecado), 2022.




lunes, 18 de abril de 2022

El dibujo que Miguel Ángel hizo con tan solo 12 años







En 2019 cuando un especialista en el Renacimiento vio ‘El hombre sentado’ que le mostraba un coleccionista británico no tuvo duda de quién era su autor: Miguel Ángel. El especialista fechó el dibujo en 1487, lo que lo convertía en el más antiguo realizado por el artista italiano descubierto hasta la fecha y uno de los pocos que se salvó de la obsesión que tenía por destruirlos. Miguel Ángel ordenó acabar con todos sus dibujos tras su muerte. Una tarea de la que él mismo se ocupó en parte poco antes de fallecer, ya que se encargó de quemar en una hoguera una gran cantidad de ellos.

‘El hombre sentado’, una de las escasas obras del maestro del Renacimiento en manos privadas, será subastado por Christie’s en mayo de 2022 con un precio estimado de 30 millones de euros.


Tráiler de la película Miguel Ángel (El pecado), 2022.


viernes, 8 de abril de 2022

Aníbal


Aníbal, fresco del Palazzo del Campidoglio



Aníbal fue un general  cartaginés del siglo III a.C. Fue uno de los militares más destacados de la Antigüedad. Amplió las conquistas de Amílcar, su padre, en la península Ibérica y condujo sus ejército, en el que se incluían treinta y ocho elefantes de guerra a través de los Pirineos y los Alpes para invadir los territorios itálicos. (Las condiciones climáticas adversas y los galos redujeron el ejército del militar y acabaron con la mayoría de los elefantes de guerra que poseía líder cartaginés). Allí derrotó a los romanos en grandes batallas campales como la de Cannas, que aún se estudia en academias militares en la actualidad y que fue la derrota más grande sufrida por los romanos.

Aníbal contempla Italia desde los Alpes. Goya

 

A pesar de su brillante movimiento, Aníbal no llegó a entrar en Roma. Existen diversas opiniones entre los historiadores sobre porqué no lo hizo y que van desde carencias materiales de Aníbal en máquinas de asedio a consideraciones políticas que defienden que la intención de Aníbal no era tomar Roma, sino obligarla a rendirse.

​ Aníbal logró mantener un ejército en Italia durante más de una década, recibiendo escasos refuerzos. Tras la invasión de África por parte del romano Escipión el Africano, el Senado púnico lo llamó de vuelta a Cartago, donde fue finalmente derrotado por Escipión en la batalla de Zama.


Aníbal derrotado en la batalla de Zama